MAYTE MARTÍN - AL CANTAR A MANUEL (2009)

Artista: Mayte Martín

Álbum: "AL CANTAR A MANUEL"  (2009)

Mayte Martín, cantaora de flamenco y cantante de boleros además de compositora, es el nombre artístico de María Teresa Martín Cadierno nacida en Barcelona el 19 de abril de 1965. 

Edita su primer disco, Muy frágil, en 1994 donde alterna flamenco tradicional con temas propios. Dos años más tarde graba su segundo álbum, Free Boleros, junto al pianista de jazz Tete Montoliú. Éste es un interesante trabajo que le abre muchas puertas, ya que ámbos ofrecen una visión del bolero muy peculiar hermanándolo de forma natural con el jazz.

Todos los estilos que a Mayte Martín le apasionan (flamenco, copla, bolero, jazz, fado, etc) los va incorporando a su manera de componer e interpretar en los sucesivos álbumes que edita.

En 2009 publica su hasta ahora, para mí, mejor trabajo alCANTARa MANUEL, un emocionante disco de flamenco donde Mayte Martín le pone música a los versos del poeta malagueño Manuel Alcántara. La maravillosa voz de Mayte aquí está impresionante. Emociona y sobrecoge. Aflora la magia entre poema y música.

Escuchar Por la mar chica del puerto en tu sillón favorito, a buen volumen y con auriculares puede hacer que tu corazón sufra un revolcón importante.

Tal vez este disco haya cambiado mi vida (o una parte de ella), al igual que quizás haya cambiado la vida de Cheluki (mi amor), o las de María, o la de mi primo Ángel, o las de mis tíos Ángel y Sacra, o las de Juan y Ana Mari o las de mis padres o las de tanta gente que no conozco. 
Pero hay algo que si tengo claro. Los que hemos tenido el privilegio de asistir a un concierto de Mayte Martín, hemos salido con un brillo distinto en la mirada y con la absoluta certeza de que nuestra vida ha cambiado para siempre.

"Por La Mar Chica Del Puerto"

"A Miguel Hernández"

"Al Sur De Los Limones"

"Excusas a Lola"

"Le Gustaban Pocas Cosas"

Si Mayte Martín en disco es fantástica prueba a verla y escucharla en directo. Es ARTE y SENTIMIENTO  en estado puro ... y gana mucho en las distancias cortas.

(Gracias a mi amigo Miguel D. Ruyo por haberme descubierto el universo mágico de esta genial artista).

WISHBONE ASH - Front Page News (1977)

Artista: Wishbone Ash

Álbum: "Front Page News"  (1977)

Front Page News es el décimo disco de Wishbone Ash, banda de rock británica muy popular en la década de los 70 tanto en el Reino Unido, como en EEUU. Sus raíces musicales son el jazz, el soul, el blues, el rock progresivo y el folk. 

Los componentes iniciales del grupo fueron Steve Upton (batería), Martin Turner (bajista y cantante) y por los guitarristas/cantantes Andy Powell y Ted Turner, a la vez que su representante/manager era Miles Copeland (hermano de Stewart Copeland, batería de Curved Air y posteriormente en The Police) .

Los mayores logros, tanto artísticos como comerciales, los consiguieron con esta formación y con la edición de álbumes legendarios como Pilgrimage (1971), Argus (1972) o el doble vinilo Live Dates (1973). 

También se hicicieron muy conocidos por haber popularizado el término "guitarras gemelas", que más tarde emplearían bandas art-punk como Television o de heavy metal como Iron Maiden o Judas Priest.

La entrada de hoy es para mí uno de sus mejores trabajos. Ya no está Ted Turner, que había sido reemplazado por el guitarrista Laurie Wisefield un par de años antes, pero Wishbone Ash todavía son capaces de construir canciones con desarrollos complejos aunque asequibles; creando ambientes muy interesantes con los "diálogos" entre las guitarras de Wisefield y Powell, y ofreciendo una colección de temas de entre lo mejor de su repertorio.

"Front Page News"

"Surface to Air"

"Goodbye Baby Hello Friend"

"Come in from the Rain"

"Right or Wrong"

En un lugar destacado de mi colección de discos...

SUN KIL MOON - Admiral Fell Promises (2010)

Artista: Sun Kil Moon

Álbum: "Admiral Fell Promises"  (2010)

Admiral Fell Promises es el cuarto disco de Sun Kil Moon, proyecto del cantautor indie norteamericano Mark Kozelek tras disolver su anterior banda Red House Painters. 

No hay sorpresas en su música. Quizás sea más austera: solo guitarra española y voz. Una voz doblada que crea un efecto de amplitud, de espacios abiertos, muy interesante. El trabajo con la guitarra también es destacable, ya que combina arpegios de trazado clásico con melodías cristalinas que compensan algo la austeridad sonora de la propuesta.

Son canciones para escuchar en soledad, a ser posible de noche, con la predisposición del que no tiene prisa porque amanezca; donde toda la melancolía, la tristeza y el desamor de tu corazón te recuerdan que cualquier sitio es bueno para llorar. 

Poesía y emociones a flor de piel. Fotografías en sepia. Promesas rotas. Madrugadas que cuelgan de paredes de papel. Música para no conducir...

"Ålesund"

"Half Moon Bay"

"Sam Wong Hotel"

"You Are My Sun"

"Admiral Fell Promises"

"Church of the Pines"

Mark Kozelek tomando café con el espectro de Nick Drake ...

ADRIAN BELEW - Desire Of The Rhino King (1991)

Artista: Adrian Belew

Álbum: "Desire Of The Rhino King"  (1991)

Adrian Belew es un guitarrista, cantante, compositor y productor norteamericano que nació el 23 de diciembre de 1949 en Kentucky, EEUU. En 1977 mientras estaba dando un concierto en Nashville con Sweetheart, una banda de versiones, fue descubierto por Frank Zappa quien se queda impresionado por su forma de tocar la guitarra y le invita a formar parte de su grupo. Estando de gira con Zappa conoce a David Bowie quien también quiere contar con sus servicios (aparece en el directo Stage de 1978 y un año más tarde en Lodger).

En 1980, y a través del guitarrista Robert Fripp, contacta con Brian Eno, que en ese momento estaba produciendo el álbum Remain In Light de Talking Heads. Belew participa en la grabación de este disco y en el live The Name Of This Band Is Talking Heads (1982). 
Un año antes ya había entrado a formar parte de la segunda reencarnación de King Crimson como guitarrista y cantante junto al genial Robert Fripp (fundador de la banda a finales de los 60), Tony Levin (bajo) y Bill Bruford (batería). Desde ese momento el epicentro de su actividad artística gira en torno al Rey Carmesí, compaginando giras y grabaciones con su carrera en solitario. Una carrera muy interesante donde Belew da rienda suelta a su faceta más experimental.

Desire Of The Rhino King es una recopilación de algunos de los mejores temas de los tres primeros discos de Belew en solitario: Lone Rhino (1982), Twang Bar King (1983) y Desire Caught By The Tail (1986); y es una excelente muestra de su particular forma de tocar la guitarra y de la multitud de ruidos/sonidos que puede llegar a extraer de su pedalera de efectos (llega a simular máquinas, animales y cualquier cosa que se le pase por la cabeza).

"Paint the Road"

"The Lone Rhinoceros"

"Big Electric Cat"

"Ballet for a Blue Whale"

"The Momur"

"Fish Head"

"The Ideal Woman"

La guitarra de Adrian Belew se puede escuchar en discos de Paul Simon, Talking Heads, Frank Zappa, Joan Armatrading, Nine Inch Nails, Jerry Harrison, Laurie Anderson, David Bowie, King Crimson, The Bears, Tom Tom Club, Ryuichi Sakamoto, Jean Michel Jarre ...

TONY JOE WHITE - The Best Of Tony Joe White (1993)

Artista: Tony Joe White

Álbum: "The Best Of Tony Joe White"  (1993)

Genial recopilación de Tony Joe White: compositor, cantante y guitarrista norteamericano nacido en Louisiana en 1943. Tuvo su momento de esplendor a comienzos de la década de los 70 con canciones como Polk Salad Annie (reinterpretada por Elvis Presley o Tom Jones entre otros) o Rainy Night In Georgia (convertida en éxito por Brook Benton, y versioneada también por artistas de la talla de Randy Crawford, Marvin Gaye o Ray Charles).

En la mejor tradición de los músicos hechos a sí mismos, Tony Joe White es de esa clase de artistas trotamundos que nunca han hecho ascos de  tocar en cualquier garito y que con el paso de los años han conseguido mantener una reputación, además de por la calidad de sus canciones, por el respeto que siempre ha profesado a las raíces musicales de las cuales se ha inspirado. 

El sonido de White está salpicado de blues, swamp rock, country, pop y soul; y esta recopilación es un muestrario perfecto (veinte temas) de su etapa de mayor éxito, es decir, de 1969 a 1973.

Una leyenda viva que es necesario reivindicar, cuya música estoy convencido te va a acompañar durante mucho, mucho tiempo.

"Polk Salad Annie"

"Soul Francisco"

"Rainy Night in Georgia"

"Stockholm Blues"

"High Sheriff of Calhoun Parrish"

"As the Crow Flies"

"Backwoods Preacher Man"

Tony Joe White, uno de los grandes de la música norteamericana de raíces... 

(Curioso su parecido físico con Elvis Presley, ¿no?)

SUSANNA & THE MAGICAL ORCHESTRA - List Of Lights And Buoys (2004)

Artista: Susanna & The Magical Orchestra

Álbum: "List Of Lights And Buoys"  (2004)

Disco de debut de Susanna & The Magical Orchestra, dúo noruego formado por la cantante Susanna Wallumrød y el teclista y programador Morten Qvenild, componente de los muy interesantes Jaga Jazzist. 

La propuesta musical que nos presentan es una fascinante mezcla de pop, con ligeros toques de jazz y unas sutiles texturas electrónicas que nos invitan a entrar en un mundo de quietud, silencio y misterio. Como un paseo dentro de una postal. Con paisaje nórdico de fondo.

La voz de Susanna seduce en la versión que hace del tema de Dolly Parton, Jolene. También en Turn The Pages; pero sobre todo en Friend cuando nos canta: "Esta vida es sólo para vivirla. No puedo decirte lo que traerá. Hay buenos tiempos, hay tiempos difíciles. Hay razones por las que nos aferramos a lo que queremos ser, y a lo que queremos ver".

Personalmente creo que hay algo de magia en el sonido de Susanna & The Magical Orchestra, quizás por la exquisita producción del arriba mencionado Morten Qvenild y de Andreas Mjøs (que también forma parte de Jaga Jazzist) o tal vez por los senderos sin colorear en los que se mueve su música.

"Jolene"

"Turn the Pages"

"Believer"

"Sweet Devil"

¿Björk de bajón? No, son Susanna & The Magical Orchestra interpretando música para no conducir ...

GEORGE BENSON - Bad Benson (1975)

Artista: George Benson

Álbum: "Bad Benson"  (1975)

Disco de transición de George Benson, espléndido guitarrista de jazz norteamericano en el que aún podemos apreciar perfectamente sus raíces más jazzys y las claras influencias de sus maestros Charlie Christian y Wes Montgomery. Arreglado y dirigido por Don Sebesky (que ya había trabajado con artistas como Wes Montgomery, Paul Desmond o Freddie Hubbard), y grabado en los estudios de Rudy Van Gelder un año antes, Bad Benson es un fabuloso mosaico de soul jazz instrumental delicioso y accesible para todos los públicos, sean o no aficionados al jazz.

Para mí es un álbum muy completo donde los músicos interpretan e improvisan sobre clásicos como Take Five o Take the "A" Train (ésta última es uno de los tres bonus tracks incluídos en la reedición de 2002). 

La nómina de músicos también es excelente. Aparte de Benson, también figuran Phil Upchurch (2ª guitarra), Ron Carter (bajo), Steve Gadd (batería) y Kenny Barron (piano).

Mi canción favorita de este álbum es Full Compass . Es un tema donde los intrumentos de viento, el bajista (Phil Upchurch aparca su guitarra y se cuelga el bajo eléctrico) y el batería (Steve Gadd) van creando diferentes ambientes y espacios en una intro genial. De manera muy cinematográfica parece que estén avisando de que "algo" importante va a suceder. Guitarra y bajo dialogan con un riff muy funky, hasta que Benson "se aleja" melódicamente de todos los instrumentos con un solo de guitarra realmente portentoso. 

"Take Five"

"Take the "A" Train"

"My Latin Brother" 

"Summer Wisher/Winter Dreams"

"Full Compass" (recomendable escuchar a un volumen alto)

Bad Benson, un buen disco de jazz del mejor George Benson

PETER FRAMPTON - Frampton Comes Alive! (1976)

Artista: Peter Frampton

Álbum: "Frampton Comes Alive!" (1976)

Peter Frampton es un compositor, guitarrista y cantante británico nacido en Kent en 1950; conocido sobre todo por su trabajo como solista a mediados de los 70.

A los 16 años ya estaba metido en el mundillo de la música en varios grupos locales como The Little Ravens, The Trubeats o The Preachers. Bill Wyman de The Rolling Stones se fija en éstos últimos, les hace de manager y les graba y produce unas sesiones (ahora reeditadas como Moon´s Train).

A finales de los 60 se unió a The Herd (banda de pop-mod) grabando algunos discos con ellos, pero no sería hasta entrar en Humble Pie junto a Steve Marriott de Small Faces cuando su reputación como virtuoso de la guitarra sube muchos enteros. 

Pero Frampton quiere probar suerte e inicia una carrera en solitario a principios de la década de los 70, publicando varios álbumes interesantes aunque sin demasiado éxito.

En 1975 se embarca en una gira por EEUU ofreciendo varias actuaciones en el Winterland de San Francisco. Fruto de esos conciertos es este Frampton Comes Alive!. Un doble vinilo que, sorprendentemente, pulverizó varios records; uno de ellos fue el de disco en directo más vendido de la historia llegando a estar 10 semanas en el número 1 en ventas.
Quizás el mayor acierto de Frampton fue que supo darle otro aire a su propia música, transformándola y haciendo potentes versiones en el caso de los temas más rock; a la vez que suaviza y acerca las baladas a un público totalmente entregado.
Con el paso de los años se ha sabido que no todo lo que sonaba en el disco "estaba recogido en directo", sino que hubo ciertos retoques en el estudio (fue de los primeros en hacerlo, aunque no ha sido el último). También es de todos conocido que la carrera de Frampton entró en barrena desde entonces, que lo que ha publicado en las últimas décadas es olvidable y que sigue viviendo de las rentas. Vale. De acuerdo. ¿El precio/mareo de la fama? Tal vez.
Pero a mí no me importa, aún hoy este Frampton Comes Alive! sigue siendo un álbum importante para quien ésto escribe.

"Show Me the Way"

"Doobie Wah"

"Baby, I Love Your Way"

"All I Want to Be (Is By Your Side)"

"Something's Happening"

"Do You Feel Like We Do"

Quizás solo sea un muy buen disco de rock en directo de los 70

WIM MERTENS - Platinum Collection (2008)

Artista: Wim Mertens

Álbum: "Platinum Collection" (2008) 

Wim Mertens es un compositor y pianista belga muy conocido sobre todo por su famoso Close Cover, una melancólica pieza de corte impresionista para piano (y voz), que define perfectamente el estilo romántico y minimalista de su autor.

En Europa es muy conocido (en España siempre llena donde actúa) mientras que en los Estados Unidos su índice de popularidad es apenas relevante, a pesar de los innumerables conciertos que allí ha dado.

Su trabajo más representativo quizás sea Maximizing the Audience (1985), un álbum compuesto para la obra de Jan Fabre The Power of Theatrical Madness, cuyo estreno se realizó en el teatro Carlo Goldoni de Venecia (Italia) un año antes. Es un disco (en su momento doble vinilo) en el que además del piano y la voz de Mertens, encontramos clarinetes, saxos, cellos, violines, violas y ligeras incursiones en la música electrónica.

La música de Wim Mertens también la podemos escuchar en la película de Peter Greenaway, The Belly of an Architect junto a otros músicos experimentales y vanguardistas como el guitarrista norteamericano Glenn Branca.
En fin, recomiendo este fantástico recopilatorio (triple cd) porque se trata de un repaso detallado, a la vez que exhaustivo, de la fascinante y prolífica carrera de este excelente músico. 

"Close Cover"

"Struggle For Pleasure" (live)

"Maximizing The Audience" (live)

"4 Mains" (live)

"The Fosse"

"Often A Bird" (live)

"Birds For The Mind"

Febrero.1986. Sala Universal (Madrid). Concierto de Wim Mertens. Inolvidable

OMAR KENT DYKES & JIMMIE VAUGHAN - On The Jimmy Reed Highway (2007)

Artista: Omar Kent Dykes & Jimmie Vaughan

Álbum: "On The Jimmy Reed Highway"  (2007)

Disco de homenaje al bluesman Jimmy Reed (1925-1976), por parte del cantante Omar Kent Dykes y del guitarrista Jimmie Vaughan (hermano del desaparecido Stevie Ray).

Más que un intento de modernizar las canciones de Reed se trata de un proyecto en el que estos dos amantes del blues quieren, sobre todo, dar a conocer su música respetando "la tradición" e intentando revitalizar su fabuloso legado.

Destacan la voz grave y profunda de Kent al igual que los arreglos y solos de guitarra de Vaughan; pero también las valiosas aportaciones de la cantante Lou Ann Barton o de los armonicistas Kim Wilson, James Cotton, Gary Primich o Delbert McClinton; aportaciones que añaden un plus de autenticidad a este sincero homenaje a uno de los grandes del blues de todos los tiempos. Un músico que influyó de una manera determinante en leyendas como Elvis Presley, Charlie Rich o The Rolling Stones (éstos últimos siempre dejaron bien claro que Jimmy Reed fue uno de sus principales maestros).

"Jimmy Reed Highway"

"Big Boss Man"

"Baby What You Want Me to Do/Bright Lights Big City"

"Caress Me Baby" (with James Cotton & Lou Ann Barton)

"Hush Hush"

Un disco imprescindible para cualquier amante del blues...

SMITH & MIGHTY - Bass Is Maternal (1995)

Artista: Smith & Mighty

Álbum: "Bass Is Maternal"  (1995)

Ray Mighty y Rob Smith aka Smith & Mighty son dos músicos y productores de Bristol (UK) que surgen a finales de los 80 destacando por remezclar la música de Burt Bacharach (geniales en "Walk on By" y "Anyone Who Had a Heart") con ritmos hip hop.

Y aunque de alguna manera siempre se les ha considerado la ¿quinta? pata de la mesa (las otras serían Portishead, Roni Size & Reprazent, Tricky y Massive Attack) del sonido Bristol, Smith & Mighty son parte importante de la música que se gestó en esa ciudad en ese momento de gran efervescencia creativa. 

Estilos como el trip hop, el dub, el jungle/drum'n'bass y las antiguas bandas sonoras de espías son los argumentos sonoros que aparecen en su disco de debut: Bass Is Maternal. Genial álbum editado en 1995 en su propio sello discográfico: More Rockers; y que es un auténtico viaje de ida y vuelta, fascinante, sorprendente, inagotable entre Jamaica e Inglaterra, entre el reggae de raíces y la música electrónica y de baile más experimental.

Quizás nunca han tenido el reconocimiento que se merecen, pero también creo que el tiempo les pondrá en el sitio que les corresponde; es decir, entre los artistas que han sabido innovar y crear un nuevo lenguaje con el acierto y la maestría de los realmente grandes.

"U Dub"

"Jungle Man Corner"

"Down In Rwanda" 

"Bass Is Maternal"

"Higher Dub" 

"Evolve"

Bass Is Maternal de Smith & Mighty, un diamante para lucirlo en cualquier ocasión...

STEVE WINWOOD - Revolutions (The Very Best) (2010)

Artista: Steve Winwood

Álbum: "Revolutions (The Very Best)"  (2010)

Fantástica recopilación de este artista británico considerado como una de las mejores voces del pop y del rock de todos los tiempos. Es un repaso a algunos de los momentos álgidos de su trayectoria tanto en solitario como con otras bandas. Comienza su carrera con tan solo 16 años tocando los teclados y cantando en The Spencer Davis Group. A los 18 años coescribe junto a su hermano Muff y el propio Spencer Davis el ya legendario Gimme Some Lovin´; un año más tarde escribiría junto al productor discográfico Jimmy Miller el también ya clásico, I´m A Man. 

Estamos en la década de los 60 con la psicodelia y el blues rock en todo su esplendor, Winwood abandona The Spencer Davis Group para formar Traffic junto a Jim Capaldi, Chris Wood y Dave Mason. Con ellos tiene bastante éxito realizando diversas giras y grabando varios álbumes importantes. Pero hay demasiadas discrepancias (artísticas y personales) en el seno de la banda y Winwood que acababa de conocer a Eric Clapton (que a su vez había disuelto Cream) decide junto a éste formar otra banda: Blind Faith. Solo editaron un álbum homónimo en 1969 con gran éxito de crítica y ventas, pero al poco tiempo también se separan.

A mediados de los 70, Winwood inicia una carrera como solista editando algunos discos interesantes. Pero el sonido añejo de su órgano Hammond va desapareciendo progresivamente y se deja  abrazar por los sintetizadores y las nuevas tecnologías. Así, va dejando atrás su pasado más rock e inicia un camino más comercial dirigiendo su música a un público adulto y acomodado; y que tuvo su punto culminante de éxito en la segunda mitad de los años ochenta.

Aunque con el paso de los años el nivel de calidad de sus composiciones ha bajado bastante y el aburrimiento se ha instalado en sus manos y en su voz, he elegido algunas de sus canciones que más me gustan para rendirle un pequeño/gran homenaje, porque a día de hoy sigo pensando que Mr. Winwood es uno de los grandes.

Gimme Some Lovin' (con The Spencer Davis Group)

"I'm a Man" (con The Spencer Davis Group)

"Paper Sun" (con Traffic)

"Can't Find My Way Home" (con Blind Faith)

"While You See A Chance"

"Valerie"

Éstas son solo algunas de las páginas escritas por esta leyenda del rock 

MICHAEL FRANKS - Tiger In The Rain (1979)

Artista: Michael Franks

Álbum: "Tiger In The Rain"  (1979)

Quinto álbum del californiano Michael Franks publicado en 1979 y que es todo un tratado de smooth jazz y bossa nova, con toques de cantautor pop edulcorado e intimista. 

A la edad de 14 años se compró su primera guitarra, una Marco Polo japonesa por 29.95 dólares (con seis lecciones privadas incluídas) y que, según él mismo dice, esa fue la única educación musical que recibió.

Alternando con su formación literaria (llegó a doctorarse en literatura hispanoamericana en la Universidad de Montreal), empezó a escribir sus primeras canciones mientras descubría a Dave Brubeck, Stan Getz, João Gilberto, Antonio Carlos Jobim o Miles Davis. Influencias que le marcan profundamente y que son decisivas en su música.

Un aspecto muy importante en la carrera de Michael Franks es que siempre ha sabido rodearse de los mejores músicos de jazz-sesión. Nombres como Ron Carter, David Sanborn, The Crusaders o el armonicista Toots Thielemans han aparecido habitualmente en sus discos. Mientras que artistas de la talla de The Manhattan Transfer, The Carpenters, Patti LaBelle, o Carmen McCrae, han hecho versiones magníficas de algunas de sus canciones.

Una recomendación: para los que no hayan escuchado nunca a Michael Franks les animo a que lo hagan en pequeñas dósis. Su excepcional música es muy agradable, entra a la primera; pero en grandes cantidades puede llegar a empachar.

De todas formas es ideal mientras se toma el sol en la playa, bajo alguna palmera, con una bebida bien fría en la mano y con la mejor compañía que hayas podido elegir...

"Sanpaku"

"Tiger in the Rain"

"When It's Over"

"Living on the Outside"

"Jardin Botanico"

La primera vez que escuché a Michael Franks fue en la tienda de discos Tony Martin (Madrid) a comienzos de los 80. Entré a echar un vistazo mientras esperaba para entrar en los cines Alphaville.

Me gustó lo que sonaba de fondo. Pregunté quién era. Me enseñaron la portada. Bonita portada. Buena música. Lo compré. Salí a la calle. Hacía mucho calor. Entré en el cine.

AMON DÜÜL II - Hijack (1974)

Artista: Amon Düül II 

Álbum: "Hijack"  (1974)

Amon Düül II fue un grupo de rock surgido a finales de los años 60 en Alemania Occidental y está considerado uno de los fundadores del movimiento musical denominado Krautrock. Esta corriente musical está influida por el rock psicodélico, el rock progresivo (de hecho a veces se le considera un subgénero de ese estilo), la música avant-garde, el rhythm and blues y el jazz. También hay que destacar su interés por  las nuevas tecnologías y el uso de nuevas técnicas de grabación, amplificación y mezcla musical.

La banda surgió de una de las numerosas comunas hippies que había en Alemania en aquella época y los miembros fundadores fueron Chris Karrer (guitarra y voz), John Weinzierl (guitarra) y Renate Knaup (Voz), Peter Leopold (batería) y Falk Rogner (teclados).

Su duodécimo álbum se titula Hijack, y aunque según la crítica especializada de entonces no fuera uno de sus mejores trabajos (para nada estoy de acuerdo, la prueba la tienes en la música que más abajo puedes escuchar), si fue de los más asequibles y "abiertos" (comercialmente hablando). Un disco que definía perfectamente el tipo de música que se hacía en esa parte de Europa en aquel momento y que representaba los planteamientos sonoros de un colectivo anarco-musical de ideario quizás cuestionable en el fondo, pero siempre muy interesante en la forma.

En 1981 se separaron.

"Traveller"

"You're Not Alone" 

"Da Guadeloop"

"Archy The Robot"

"I Can't Wait, Pts. 1-2"

La primera vez que escuché este disco (en cinta de cassette) puse varias veces seguidas Traveller. La melodía que dibujaba la flauta me hechizó para siempre

STEREOLAB - Serene Velocity / A Stereolab Anthology (2006)

Artista: Stereolab

Álbum: "Serene Velocity / A Stereolab Anthology" (2006)

¿Cómo se puede presentar a un grupo cuya propuesta musical está basada en el rock experimental (The Velvet Underground) y repetitivo, en el lounge instrumental (Martin Denny o Bruce Haack), la bossa nova, el krautrock (Can, Neu! o Faust), la música easy-listening (Burt Bacharach o Esquivel) de los años 50 y 60 , el hip hop, el jazz, la música electrónica (The Silver Apples o Throbbing Gristle) y el pop psicodélico de los 60 (The Free Design), las bandas sonoras de Henri Mancini,  el pop francés de Françoise Hardy, el dub, el funk o el minimalismo de compositores como Philip Glass y Steve Reich?

¿Qué decir cuando todas estas influencias se mezclan en un cocktail genuino y personal y el resultado de esa mezcla es una música adictiva, absorbente, abstracta, original y difícil de clasificar; donde además la voz y las melodías que salen de la garganta de Laetitia Saedier empastan perfectamente con los sonidos analógicos de los sintetizadores Moog y los teclados eléctricos Farfisa y Vox ejecutados diestramente por Tim Gane?

Y si encima las letras del grupo tocan temáticas socio-políticas y están fuertemente influenciadas por el surrealismo y el marxismo, además de que las letras de las canciones están cantadas indistintamente en inglés y en francés y lo prolífico de su producción, hacen de Stereolab uno de las bandas de culto más inclasificables, importantes e influyentes de la década de los 90.

"French Disko"

"Percolator"

"Cybele's Reverie"

"Ping Pong"

"Wow and Flutter"

"Infinite Girl"

"Metronomic Underground"

Espirales sónicas, compases repetidos, mirada independiente y cool ... Stereolab